sábado, 12 de marzo de 2016

Las Tres Edades de la Mujer, Klimt

Las tres edades de la Mujer, Gustav Klimt, 1905
"No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras apariencias... estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante."
Gustav Klimt

Gustav Klimt (1862-1918) encontró en las mujeres y en el desnudo femenino su fuente de inspiración, fueron temas muy recurrentes a lo largo de su carrera. Fue pintor simbolista y gran representante del movimiento modernista de la Secesión vienesa.

Esta obra es conocida con diferentes títulos como Las tres edades, Las tres edades de la vida o Las tres edades de la mujer y se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma.

Representa las tres etapas de la vida, el nacimiento, la madurez y la vejez. Un tema que ya había sido representado por otros artistas como por ejemplo, Hans Baldung Grien (1484-1545) en su obra Las Edades y la Muerte (1541-1544), que representa el memento mori ("recuerda que puedes morir"), el paso del tiempo, el misterio de la vida, la muerte... temas que le interesaban bastante a Klimt.

Las Edades y la Muerte, 1541-1544, Hans Baldung Grien,
Museo del Prado
Detalle

La obra de Klimt, representa este tema de una forma más modernista y ornamentada.

Cada desnudo es tratado de una forma muy sensual y elegante, a la vez que diferente según el personaje al que representa.

En el caso de la anciana, destaca por su naturalismo en contraposición al de la frágil madre. La anciana con una expresión de pesadumbre y con el color marrón de su piel y sus arrugas, es un claro ejemplo del paso del tiempo, que representa la vejez.

Para la figura de la anciana, Klimt se inspiró en la obra La que fue la bella armera, de Rodin, escultor a quien admiraba profundamente.

La que fue la bella armera, Rodin, 1887

Detalle
Con su cara tapada y en segundo plano, la anciana dirige la atención a la figura desnuda más joven, un desnudo muy sensual y que recuerda a otras obras y dibujos de Klimt, que poseen una gran carga erótica, tema muy destacado de sus obras y por el que fue muy criticado.

Su piel es más pálida y su pelo rojizo que deja ver su rostro sereno, con algo de coloretes y que esboza una leve sonrisa. Parece una madre ensimismada, con su bebé en brazos. Esta imagen representaría la juventud, la plenitud de la mujer.

En la pintura no se aprecia el sexo del bebé, pero sí su piel pálida y su rostro tranquilo mientras duerme en brazos de su madre. El bebé representaría la primera edad de un ser humano, la niñez.

Esta pintura rememora la importancia del papel de la mujer en la vida.

Los fondos de sus obras suelen ser muy ornamentales y abstractos. En esta obra hace uso de elementos geométricos, recordándonos a los mosaicos bizantinos de Ravena, que tanto gustaron al maestro.

Klimt fue un gran paisajista, aunque comenzó a pintar paisajes a una edad más tardía y sus obras son menos conocidas, merece ser destacado.



Bibliografía:
GAYA NUÑO, J.A. y PIOJÁN, J., Arte Europeo de los siglos XIX y XX, vol. XXIII, Madrid, Espasa Calpe, 1967.
VV.AA, Arte del siglo XX, Köln, Taschen, 2005.
VV.AA. Gustav Klimt, Grandes Maestros de la Pintura, Barcelona, Ediciones Altaya, 2001.
VV.AA. Historia del Arte, vol.4: El mundo contemporáneo, Madrid, Alianza Editorial, 1997.

   Marian García      

jueves, 18 de febrero de 2016

El Pensador de Auguste Rodin


El pensador, gran modelo 1903, Bronce. Fundición Alexis Rudier 189 x 98 x 140 cm,
Museo Rodin, París.
Para comenzar una nueva etapa y año en el Blog, quiero comenzar dando las gracias a cada una de las personas que cada día han seguido leyendo los posts, gracias a tod@s por vuestras visitas. He querido dedicar este post a la escultura que me acompaña desde el inicio de mi andadura como Blogger, El Pensador, que siempre me ha encantado y emocionado y que cuando la observamos nos invita a pensar y reflexionar.

El recuerdo que tengo de ella es que en el año 2011, en un viaje a Vitoria- Gasteiz me la encontré de casualidad, en la Plaza de la Virgen Blanca. Todavía recuerdo la sensación que me produjo verla ese día y en ese lugar, era un día gris y lluvioso y me emocionó verla allí porque era un entorno maravilloso y mágico.

El Pensador, Rodin, en la Plaza de la Virgen Blanca, Vitoria-Gasteiz.
Cartel de la exposición. Folleto de la exposición de Rodin en PDF.
El conocido Pensador, viajaba junto a Los burgueses de Calais otro grupo escultórico en bronce de Auguste Rodin (1840-1917), a través de la Obra Social La Caixa, una exposición itinerante de esculturas, se llamaba Auguste Rodin, Arte en la calle, quizás muchos de vosotr@s habéis tenido el placer de disfrutar de tan magníficas esculturas.

Pierre de Wissant 1887, Bronce,
214 x 106 x 118 cm Museo Rodin, París.
Eustache de Saint Pierre 1887, Bronce,
 215 x 73 x 113 cm
Museo Rodin, París.
Jacques de Wissant 1888, Bronce,
212 x 125 x 74 cm Museo Rodin, París.
Jean d’Aire 1887, Bronce,
205 x 65 x 63 cm
Museo Rodin, París.
Andrieu d’Andres 1887, Bronce,
198 x 89,5 x 131 cm
Museo Rodin, París.
Ahora quiero contaros la historia de El Pensador o El Poeta, llamado en un principio con este nombre menos conocido.

En 1880 se le encargó a Rodin las puertas del Museo de Artes Decorativas de París, que al final no se construyó y se quedó en su taller, donde fue añadiéndole elementos hasta su muerte. Esta escultura que formaba parte del conjunto, fue concebida para coronar Las puertas del Infierno.

Las puertas del Infierno (1880-1900). Museo Rodin. París.
Rodin se inspiró en el canto Infierno de la Divina Comedia de Dante Alighieri, aunque también se piensa que pudo inspirarse en Las flores del mal de Baudelaire. La escultura de El poeta, representaba a Dante, inclinado, contemplando las escenas de su alrededor y meditando sobre ellas.

Detalle de Las puertas del Infierno
Se podría decir que el trabajo realizado por Rodin en Las puertas del Infierno, es el más importante de su carrera y el más ambicioso.

Ya en 1888 la obra se expuso individualmente por primera vez y adquirió su propia autonomía. En 1904 la obra fue ampliada, hizo una versión más monumental, ya que la primera medía unos 70 cm. Fue cuando recibió el nombre de El Pensador.

El Pensador, Rodin. Museo Rodin en París.
Representa a un hombre perdido en sus pensamientos. Su rostro refleja concentración mientras su cuerpo expresa toda la acción del pensamiento, desde los dedos de los pies agarrándose a la roca, las manos fornidas y sus tensos músculos, que se perciben bajo la piel.

El Pensador, Rodin. Erigida frente al congreso de la Nación Argentina
Existen numerosos moldes y versiones en diferentes museos de todo el mundo, más de veinte. Y a lo largo del tiempo ha ido adquiriendo un valor simbólico por haber sido expuesta en momentos importantes y como símbolo de la democracia frente a los problemas sociales y políticos.

El Pensador, Rodin. Museo Soumaya
en la Ciudad de México
Rodin estaba sentimentalmente unido a los impresionistas, desbordando sus límites. Solo con ver estas esculturas, uno se da cuenta de la singularidad de Rodin.

Sus obras simulan posiciones y actitudes cambiantes. La multiplicación de planos y el abandono, de forma intencionada, del acabado perfecto de sus obras, hace que con sus picos, grietas y rugosidades, se cree un claroscuro pictórico.

A pesar de que algunas de las obras de Rodin no fueron aceptadas por sus contemporáneos, fue un visionario para la escultura contemporánea.

Bibliografía recomendada:
GAYA NUÑO, J.A. y PIOJÁN, J., Arte Europeo de los siglos XIX y XX, vol. XXIII, Madrid, Espasa Calpe, 1967.
VV.AA, Arte del siglo XX, Köln, Taschen, 2005.
VV.AA. Historia del Arte, vol.4: El mundo contemporáneo, Madrid, Alianza Editorial, 1997.

                                                                                                                  Marian García       

lunes, 21 de septiembre de 2015

Mi primer año como Blog





Ha pasado un año desde que comencé a darle forma a una idea que me ilusionaba y me motivaba, que era la idea de transmitir mis conocimientos sobre arte, de una forma accesible a todo el mundo y que pudiesen comprender lo que el arte nos quiere transmitir.

Llevo unos meses sin poder subir los post debido a que me encuentro sin mi Pc y ahora que os escribo desde mi Tablet, me resulta muy difícil e incómodo ya que la aplicación de Blogger es muy básica y no me acostumbro a ella, os pido disculpas y en cuanto lo tenga de nuevo conmigo os lo iré subiendo.

Estoy inmensamente agradecida por vuestras visitas y comentarios, por la buena acogida que le habéis dado al blog y que espero que cumpla muchos años más.

Miles de Gracias!!!

viernes, 24 de abril de 2015

Frida Kahlo, 1907 - 1954

Frida Kahlo (1907-1954)
"Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco"
Frida Kahlo            

Magdalena Carmen Frida Kalho y Calderón, nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México y falleció el 13 de julio de 1954.

Frida Kahlo, 15 Junio 1919

Frida Kahlo era hija de un gran fotógrafo alemán Gillermo Kahlo y su segunda esposa, Matilde Calderón. Era la tercera hija de cuatro hermanas. Cuando era niña, contrajo la polio, haciéndose visible en su pierna derecha, siempre intentaba disimularlo.

Frida con su familia en Ciudad de México, 1911.

Comenzó a trabajar para ayudar en su casa, con el grabador Fernando Fernández como aprendiz, copiando dibujos de grandes maestros, descubriendo un gran talento. Hasta que en 1925 de vuelta a casa sufrió un accidente de tráfico muy grave, el autobús en el que viajaba chocó con un tranvía, siendo una adolescente. Las lesiones y secuelas marcaron el resto de su vida y lo refleja perfectamente en su obra.

Dibujo del accidente de Frida Kahlo, 1926.

La obra de Frida Kahlo y su temática está marcada por su propia experiencia vital, que se resumiría en símbolos de dolor, sufrimiento, sexualidad, soledad, infertilidad, convalecencias... Representaba sucesos autobiográficos, por ello la mayoría de sus obras son autorretratos, algunos de busto hierático.

"Retrato de mi hermana, Cristina", 1928. Frida Kahlo.

Sus padres fueron los que la animaron a pintar, su padre le compró una caja de pinturas y su madre le encargó un caballete especial adaptado a la cama para que se distrajera durante el tiempo que debía pasar en cama debido al accidente que sufrió.

Admiraba a los artistas italianos, especialmente a Boticelli.  En sus comienzos como pintora, estaba influenciada por los retratistas mexicanos del siglo XX, pintaba retratos oscuros y convencionales, como su primer autorretrato de 1926.

"Autorretrato con Traje de Terciopelo", 1926. Su primer autorretato.

Fue Diego Rivera el que valoró sus cuadros y el que la animó para que se dedicara a la pintura profesionalmente, ofreciéndole su apoyo y compartiendo con ella su círculo social, con coleccionistas, intelectuales y personas de la alta sociedad. Todos compartían un interés común de que el arte mexicano volviese a sus raíces.

"Frida en la banca blanca", fotografía de Nickolas Muray, 1939.

Diego Rivera coleccionaba figuras precolombinas y Frida por su parte, se vestía con los vestidos y la joyería tradicional, incluyéndolos en sus pinturas, llegando a convertirse en un icono de la cultura mexicana por la indumentaria que utilizaba.

Frida Kahlo y Diego Rivera

El 21 de agosto de 1929 Frida Kahlo y Diego Rivera contrajeron matrimonio, era una relación atípica, de amor-odio con admiración e infidelidades. A los diez años de matrimonio se divorciaron pero al año siguiente se volvieron a casar, siendo ésta la mejor etapa para Frida Kahlo junto a su esposo.

"Unos cuantos piquetitos", 1935. Obra pintada por Frida tras saber que Diego Rivera
 le fue infiel con su hermana Cristina, es así como refleja su dolor.

Entre 1931-1934 le encargaron unos murales a Diego Rivera en Estados Unidos y Frida se marchó con él. Mientras permanecía en Estados Unidos con su esposo, Frida estaba en un segundo plano pintando sus cuadros, adquiriendo su propia personalidad, con su propio estilo, incluyendo elementos de la cultura mexicana e inspirándose en los exvotos del arte popular mexicano y los colores brillantes de los murales de su esposo hasta convertirse en una gran artista.

"Autorretrato en la frontera entre México y Estados Unidos", 1932.

"Yo aquí en Gringolandia me paso la vida soñando con volver a México"
Frida Kahlo

Mezclaba en sus pinturas elementos realistas, expresionistas y surrealistas, pero combinados con un estilo primitivo y con símbolos, que la ayudaban a expresar su visión de los sucesos que le ocurrían en su vida.

Sus pinceladas fueron precisas y muy detalladas hasta que su salud fue empeorando a partir de los años 50.

Fue en esta época, en Detroit, cuando se produjo su segundo aborto, donde ideó una serie de obras maestras, de autorretratos sin precedentes en la historia del arte, que resaltaban una poesía agónica de las cualidades femeninas de la verdad, la realidad y la crueldad.

"La cama volando, Henry Ford Hospital", 1932. Frida Kahlo

Entre 1937-1938 pintó muchas más obras que en los años anteriores, con una mayor perfección técnica y complejidad psicológica.

"Lo que el agua me ha dado", 1939. Frida Kahlo.

"En realidad no sé si mis cuadros son surrealistas o no, pero sí sé que representan la expresión más franca de mi misma"
Frida Kahlo

En noviembre de 1938, tuvo su primera exposición individual en la famosa Galería de Julien Levy de Nueva York y tras su éxito, André Bretón, padre del surrealismo, que descubrió en las pinturas de Frida el surrealismo, incluyéndola en su Ensayo de Surrealismo y Pintura y la invitó a París, relacionándose así con los artistas más influyentes del momento como Paul Éluard, Max Ernst, KandinskyPicasso (que le regaló unos aretes en forma de mano, como muestra de afecto), entre otros muchos artistas.

La exposición se realizó en la Galería de Arte de Pierre Colle, el marchante de Dalí. La exposición fue promovida por Marcel Douchamp, con quién tuvo una gran empatía.

"The Frame", 1938. Frida Kahlo. Centre Pompidou

Era una época muy difícil para una mujer pintora, no obtuvo muchas ganancias económicas en París, pero el Museo del Louvre le compró esta obra de 1938, "The Frame", pasando a ser la primera artista mexicana del siglo XX que entraría a formar parte de la colección de dicho museo.

"Las dos Fridas", 1939. Frida Kahlo.

Tras su separación de Diego Rivera, pintó esta gran obra, con una gran dualidad y que reflejaba su estado en ese momento de soledad y aflicción.

A partir de de los años 40 fue adquiriendo una mayor reputación como artista y exponiendo en exposiciones colectivas en México, San Francisco, Boston y  en distintos puntos de Estados Unidos.

Comienzan los reconocimientos por su obra, fue elegida miembro del Seminario de Cultura Mexicana y editó publicaciones de carácter cultural. Coincide con la inauguración en México de la Escuela de pintura y escultura, La Esmeralda, donde fue contratada como maestra, pero cuando su salud no le permitía ir a la escuela, los alumnos se trasladaban a su casa. Les llamaron "Los Fridos".

"La columna rota", 1944. Frida Kahlo

En esta obra se representan sus heridas y uno de los corsés, ya que tuvo que utilizar muchos a lo largo de su vida. En esta época comenzó a escribir sus diarios, para poder expresar tanto escribiendo como pintando lo que sentía, todo lo que se le pasaba por la mente.

"Árbol de la esperanza, mantente firme", 1946. Frida Kahlo.

En 1946, tenía un estado de salud pésimo, se volvió a someter a otra operación de vértebras, algo muy complejo para la época, llevaba más de treinta hasta el momento, pero ella seguía pintando desde su cama.

Frida Kahlo pintando desde su cama

Ya en los últimos años de su vida, en los años 50, gozaba de muy poca salud, continuamente sedada para paliar el dolor y guardando reposo absoluto, estuvo hospitalizada casi un año. Entró en un estado de depresión e intentó suicidarse varias veces, a pesar de rodearse de buenos amigos y de que Diego Rivera intentó hacer su estancia más llevadera.

En 1953, su amiga Lola Álvarez Bravo se animó a organizarle una exposición individual en México D. F., en su galería de Arte Contemporáneo, viendo que su final estaba cerca. Fue un gran acontecimiento, era la primera exposición individual en su país. Frida Kahlo llegó en una cama a su inauguración, y desde su cama bebió y cantó hasta la madrugada.

Fotografía tomada el día de la inauguración
 de su primera y última exposición individual
 en vida de Frida Kahlo en México D.F.

A los pocos meses de la inauguración de su exposición, tuvieron que amputarle una pierna a causa de una infección de gangrena. Finalmente falleció a los 47 años de una embolia pulmonar.

Dibujo de su diario, 1953.
"Pies para qué los quiero si tengo alas pa´ volar"
Frida Kahlo, 1953     

Nos ha dejado más de 200 obras de un gran interés artístico. Sus últimas palabras escritas en su diario fueron:

"Espero que la salida sea alegre y espero no volver jamás"
 Frida Kahlo           

Diego Rivera donó junto a parte de sus pertenencias en 1955 la Casa Azul, donde están depositadas sus cenizas y que se abrió al público en 1958 como Museo Frida Kahlo.

Casa Azul, Museo Frida Kahlo en Coyoacán

Os recomiendo visitar su web Frida Kahlo, es muy interesante.

Bibliografía recomendada:

* KAHLO, ISOLDA P., "Frida íntima", Bogotá, Ediciones Dipon, 2004.
* KETTENMAN, A., "Frida Kahlo", Alemania, Taschen, 1999. PDF

domingo, 5 de abril de 2015

Premio Dardos....¡¡Gracias!!


Estoy muy feliz y agradecida por el Premio que me han otorgado. Se llama Premio Dardos y doy las gracias a Lusa y a su Blog ¡Sin Miedo a Vivir, sin Miedo a Soñar! por haberse acordado de mi Blog, que por cierto quiero felicitar porque su libro está ya a la venta y os animo a que leáis el prólogo.

¿Qué es el Premio Dardos?

El Premio Dardos es un premio que se concede entre "Blogueros", reconoce la creatividad de aquellos Blogs que saben transmitir "Valores personales, culturales, éticos y literarios" de forma original. Los Premios Dardos son además, una excelente manera de "promover la hermandad entre bloggers, de mostrar cariño y gratitud por añadir valor a la Blogosfera"

Los pasos a seguir son:

1. Incluir en la entrada la imagen del Premio.
2. Mencionar y enlazar al Blog que nos ha elegido para optar a este premio.
3. Nominar y enlazar nuevos Blogs que creamos que merecen reconocimiento y ponerles al tanto de la nominación (15 Blogs).

Mis nominados son:


Espero que os haga ilusión esta nominación al Premio Dardos, os lo merecéis.

Gracias a tod@s por vuestras palabras y visitas.

domingo, 29 de marzo de 2015

La Torre de Hércules


La Torre de Hércules o Farum Brigantium, es el único faro romano conservado y el más antiguo en funcionamiento de todo el mundo, como guía de navegación. El faro original está en el interior, que fue construido con toda probabilidad en la segunda mitad del siglo I o principios del siglo II d. C., aunque hay diferentes hipótesis sobre su datación.

Sabemos su autor, Caio Sevio Lupo, gracias a una piedra encontrada en las inmediaciones con una inscripción en latín.

"MARTI AVG.SACR C.SEVIVS LVPVS ARCHTECTVS ÆMINIENSIS LVSITANVS.EX.VO"
Durante la Edad Media, el Faro fue abandonado y expoliado, hasta el reinado de Fernando II y Alfonso IX, que lo recuperan y vuelve a tener la función de apoyo a la navegación.

El nombre de La Torre de Hércules se acuñó en el siglo XIII, cuando Alfonso X publica su Historia de España, donde recupera el mito clásico de Hércules, cuyo décimo trabajo enviado por el rey Euristeo, lo llevó a la Península Ibérica.

La lucha que se produce entre Hércules y Gerión, que tenía tres cabezas, seis manos y tres cuerpos unidos por la cintura, se habría librado en el finis terrae atlántico, una zona muy conocida del mundo. Hércules mató a su enemigo y lo enterró a orillas del mar, se llevó sus ganados a Tirinto donde Euristeo los sacrificó a Hera.  Sobre la tumba de Gerión, construyó una torre-faro y fundó la ciudad que llamó Crunia, para conmemorar a la primera mujer que la habitó y de la que Hércules se enamoró.

Hércules luchando con Gerión. Ánfora ca. 540 a.C. Museo del Louvre.
A lo largo de los siglos, la Torre ha sufrido varias restauraciones y algunas modificaciones. Durante los siglos XVI, XVII y XVIII hubo un gran interés por su recuperación y se hicieron varias intervenciones en ella, se conservan una gran colección de de planos y alzados y las propuestas de mejoras que se hicieron.

El Ministerio de la Marina en 1785, como plan general de mejora y con intención de modernizar el puerto de A Coruña, decide financiar la restauración de la Torre de Hércules. El ingeniero militar Manuel de Navacerrada entrega un informe del estado de la Torre y aboga por conservar la estructura del faro romano y en 1788, el rey Carlos III autorizó la restauración que fue ejecutada por el ingeniero militar Eustaquio Giannini con ayuda de José Cornide. Fue una intervención muy respetuosa con los restos romanos conservados hasta entonces.

Dibujo extraído del libro de José Cornide, 1792.
Ha llegado hasta nuestros días casi todo lo de la época romana. Se conserva el núcleo central del faro, de planta cuadrada, con una subdivisión interna de N/S-E/O, subdividido en cuatro habitaciones en forma de cruz, el tratamiento de la base se da en las siguientes plantas.

El núcleo central estaba rodeado por una rampa que converge en una escalinata. Se desconoce como se remataba la Torre, de al menos 3 pisos, que acabaría en un remate octogonal o cilindro, que albergaría un segundo cuerpo finalizando en un lucernario o bien quedaría abierto para la extracción de humo de la linterna.

La intervención de Giannini-Cornide, se toma como ejemplo paradigmático de restauración arquitectónica. Esta es la publicación de la investigación de José Cornide de 1792, Investigaciones sobre la fundación y fábrica de la Torre llamada de Hércules - Pdf, que sigue siendo clave para su estudio.

Maqueta expuesta en el interior de la Torre
Es una torre de gran altura, que se halla emplazado en un promontorio muy expuesto al mar y a los vientos, con la gran finalidad de ser visto para guiar la entrada a las rías de La Coruña y de El Ferrol.


Las intervenciones realizadas en los siglo XIX y XX, han estado centradas con un trabajo muy minucioso y ambicioso, en mejorar y estudiar las patologías del faro, para así intervenir en ella de forma muy cuidadosa y en el reemplazo de los sistemas de reflectores antiguos, sustituyéndolos por los más modernos para mejorar la iluminación y que sus reflejos llegaran más lejos como apoyo a los barcos.

Imagen tomada desde la Torre de Hércules, con
 la Rosa de los Vientos (1994) de Correa Corredoira
Las intervenciones llevadas a cabo entre el 2007 y 2009, estuvieron orientadas a solventar algunos problemas detectados en el monumento.

Imagen de la Torre de Hércules durante el proceso de restauración
La Torre de Hércules fue declarada el 27 de junio de 2009 por la Unesco Patrimonio de la Humanidad.

Hay autores que vinculan este faro a otros hoy día perdidos, como el Faro de Alejandría (Egipto), el Faro de Ostia (Italia) o el de Leptis Magna (África). Con ellos guarda bastantes paralelos.

Reconstrucción hipotética del Faro de Alejandría (Egipto)

Faro de Ostia (Italia)

Dibujo de reconstrucción del Faro de Leptis Magna (África), según Bartoccini
Os dejo el enlace para l@s que queráis más información sobre La Torre de Hércules. Espero que os guste el post y disfrutéis leyéndolo al igual que yo al estudiar la Torre, que tuve el placer de visitar en el año 2000 y aún recuerdo la subida a la Torre y las vistas que se tienen desde allí.

Bibliografía recomendada:

AA.VV., "Todos los mitos y leyendas del mundo", Barcelona, Círculo de Lectores, 2005.
AA.VV., "Imperio y religión. Del mundo romano al prerrománico" Barcelona, Planeta, 2004.
CORNIDE DE FOLGUEIRA, J. "Investigaciones sobre la fundación y fábrica de la llamada Torre de Hércules situada en la entrada del puerto de A Coruña", Alicante, Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, 2006.
GARCIA GUAL, C., "Diccionario de Mitos", Barcelona, Planeta, 1997.
MALCOM DAY, "100 Personajes de la Mitología Clásica", Barcelona, Círculo de Lectores, 2007.
SCHMIDT J., "Diccionario de mitología griega y romana", Barcelona, Larousse Planeta, 1996.